Seconda esposizione di Eco-Arte e Eco-Design “La Materia Ri-Nata – Eco-Riuso” a cura dell’Associazione Nuova Bauhaus, presso la CAE 2.0 Città dell’Altra Economia, Ex-Mattatoio di Testaccio, Roma.

L’Associazione Nuova Bauhaus, insieme al Consorzio CAE 2.0, presenta al pubblico la seconda edizione dell’Esposizione Collettiva di Arte a tematica ecologica: La Materia Ri-Nata – Eco Ri-Uso, seconda mostra del Progetto “Contenitore Città delle Arti”. L’esposizione sarà inaugurata venerdì 11 maggio dalle ore 18:00 presso la CAE 2.0 Città dell’Altra Economia di Roma e le opere esposte nel Modulo M4, nell’area esterna del piazzale e nelle pese dell’Ex Mattatoio.

Sulla base dell’esperienza maturata negli anni nell’area dell’Ex Mattatoio di Testaccio e in vista della realizzazione della Città Delle Arti, l’Associazione Nuova Bauhaus ritiene fondamentale l’articolazione partecipata e l’implementazione della cooperazione tra le diverse realtà all’interno dell’area, promuovendo l’espressione della creatività e la riqualificazione dello spazio sociale. L’Associazione ha presentato la scorsa settimana il Progetto “Contenitore Città delle Arti”, patrocinato dall’Assessorato alle Politiche Culturali e Centro Storico del Comune di Roma.

La mostra La Materia Ri-Nata – Eco Ri-Uso raccoglie un ciclo di esposizioni dedicate all’Eco Arte e all’Eco Design, presentate periodicamente nei locali della Galleria GARD di Roma e giunte all’undicesima edizione, dirette e ideate da Sonia Mazzoli, artista e gallerista con la passione sfrenata per il Riciclo. Nel corso degli anni sono state ospitate in diverse location, sia in Italia che all’estero, evidenziando come l’arte e il design siano capaci di ridare dignità a quei materiali che spesso vengono scartati e gettati via e, ormai inutili, diventano un rifiuto. Sonia Mazzoli porta avanti questa ricerca dal 1997, anno in cui venne presentata la prima edizione di La Materia Ri-Nata – Eco Ri-Uso : da allora, oltre a presentare e organizzare esposizioni e progetti sul tema Riciclo-Ecologia-Arte, Sonia Mazzoli propone corsi di educazione al Ri-Ciclo con indirizzo artistico.

L’Associazione Nuova Bauhaus nasce nell’aprile del 2008 come contenitore di idee e progetti relativi all’ambito culturale, didattico, artistico, ambientale, storico e antropologico. Il nome è liberamente ispirato al movimento culturale promosso dalla scuola di architettura e d’arte di Weimar, in Germania, nei primi anni del XX secolo.

Alla base del Bauhaus c’era l’idea di unire progettazione e produzione, unificando il tradizionale divario tra artista e artigiano, tra ideatore e operaio. Piattaforma creativa dell’associazione è l’assunzione e la rielaborazione in senso sociale di questo concetto attraverso una riproposizione pratica attuale e alternativa alla barbarie sociale riguardante il mondo del lavoro e dei diritti umani. La Nuova Bauhaus rappresenta un esempio di incubatore sociale, un ponte fra mondo accademico e la creatività dei territori e delle periferie, un punto di incontro delle criticità tra generazioni che offre possibilità di articolare scambi sociali e culturali non standardizzati, ampliando l’accessibilità ai servizi e alla cultura.

Info e contatti:
Sonia Mazzoli, Direttore Artistico
Associazione Nuova Bauhaus
artenuovabauhaus@gmail.com

Dopo il grande successo della mostra Degas, Lautrec, Zando’. Les folies de Montmartre prosegue il programma di valorizzazione culturale delle Scuderie del Castello Visconteo con la mostra Rembrandt. Incidere la luce. I capolavori della grafica dal 17 marzo al 1 luglio 2012.

L’iniziativa, promossa dal Comune di Pavia con l’esclusiva partnership istituzionale della Provincia di Pavia e curata da Laura Aldovini con i Musei Civici di Pavia, è prodotta e organizzata da Alef – cultural project management.

L’esposizione presenta la produzione grafica del grande artista olandese, Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Leida, 1606 – Amsterdam, 1669), celebre pittore, ma anche e soprattutto geniale incisore che, attraverso una grande varietà di soggetti, una straordinaria perizia tecnica e un inconsueto uso della luce, realizzò circa trecento stampe di forte impatto emotivo.

In mostra quaranta incisioni – tra autografe dell’artista e alcuni fogli di bottega – gran parte delle quali esposte per la prima volta al pubblico e tutte provenienti dalla Collezione Malaspina, prestigiosa raccolta grafica a livello nazionale e nucleo fondante dei Musei Civici di Pavia.
Il percorso espositivo presenta anche tre opere di Albrecht Dürer (1471-1528), al fine di mostrare l’influenza del celebre maestro tedesco su Rembrandt e affiancare due artisti che, seppure distanti cronologicamente e tecnicamente, sono da considerarsi i più grandi incisori di tutti i tempi.

Il visitatore potrà ammirare alcuni dei capolavori di Rembrandt tra cui una serie dei suoi famosi ritratti e autoritratti come il Ritratto di Jan Six (1647), l’Autoritratto con la sciarpa al collo (1633) o l’Autoritratto alla finestra (1648), prova di una forte capacità di introspezione psicologica, nonché le celeberrime scene sacre come La morte della Vergine (1639) o La stampa dei cento fiorini (1649 ca.) e anche esempi di opere rimaste ancora oggi enigmatiche nel loro significato, come quella detta generalmente Il Faust (1652 ca.).

Con questo omaggio al grande maestro olandese i Musei Civici permetteranno inoltre al pubblico di saggiare la qualità e la rarità di alcune delle incisioni appartenenti alla raccolta di stampe del marchese Malaspina, collezionista eccezionale, che attraverso l’acquisto di oltre 5.000 opere ha saputo ricostruire in modo esaustivo la storia dell’incisione dal Quattrocento al Settecento.

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Rembrandt
Incidere la luce
I capolavori della grafica

Sede
Scuderie del Castello Visconteo di Pavia
Viale XI febbraio, 35 – 27100 Pavia

Date
17 marzo – 1 luglio 2012

Orari
Martedì, mercoledì, venerdì: 10.00 – 13.00 | 15.00 – 19.00
Sabato, domenica: 10.00 – 13.00 | 14.00 – 20.00
Giovedì: 10.00 – 13.00 | 15.00 – 21.00
Lunedì chiuso

Biglietti
Intero 7,00 euro
Ridotto 5,00 euro
Convenzionati 6,00 euro

Informazioni
www.scuderiepavia.com
info@scuderiepavia.com
tel +39 0382 – 403726 – + 39 0382 – 538932

Dall’estro creativo dell’artista Cristina Colombo nascono i “Cuori fatti a mano”, opere uniche dal significato evocativo e dal grande impatto visivo che strizzano l’occhio al concetto di “arte che arreda”

“Il mio occhio s’è fatto pittore ed ha tracciato l’immagine tua bella sul quadro del mio cuore; il mio corpo è cornice in cui è racchiusa, prospettica, eccellente arte pittorica, ché attraverso il pittore devi vederne l’arte per trovar dove sia la tua autentica immagine dipinta…” William Shakespeare

Cristina Colombo reinterpreta il concetto di fruizione artistica introducendo un nuovo modo di concepire l’opera e veicolandola come “arte che arreda”, come cioè una forma d’arte che irrompe nel quotidiano diventando parte dell’arredamento e rendendolo emozionale. Le sue creazioni, i “Cuori fatti a mano”, si ispirano all’organo vivificatore per eccellenza, il cuore, che diventa un oggetto di design dall’alta espressione estetica.

Il cuore da sempre ha ispirato generazioni di poeti, di scrittori e di artisti con la sua forma semplice e perfetta dal grande significato evocativo. I mondi che si celano dentro il cuore sono molteplici come molteplici possono essere le sue interpretazioni e rivisitazioni. Il cuore è quanto di più semplice e naturale possa venire in mente ed è in questa sua semplicità che si insinua il genio creativo.

I cuori di Cristina Colombo nascono proprio da questa ricerca espressiva, dal bisogno stesso di dare voce alle molteplici manifestazioni del cuore e dalla ricerca del proprio tra la moltitudine, dandogli concretezza e identità. Cristina Colombo reinterpreta il significato di questa forma, decontestualizzandolo dal ruolo che da sempre le è stato attribuito, ovvero centro dell’amore sentimentale, e rendendolo vero e proprio mezzo di comunicazione, sia con sé stessi che con gli altri. Attraverso queste opere infatti chiunque può trovare la sfaccettatura più evidente della sua personalità o di quella in cui, in un dato momento, si riconosce.

I “Cuori fatti a mano” sono delle vere e proprie sculture in grado di sprigionare straordinarie emozioni, enfatizzate dalle dimensioni imponenti e dalla bellezza e perfezione della superficie, in cui l’attenzione al dettaglio gioca un ruolo fondamentale. La tridimensionalità delle opere genera uno “stream” di sensazioni catturando l’occhio dello spettatore, proiettandolo nel flusso ininterrotto dell’immaginazione e delle emozioni umane in una sorta di contemplazione.  

Cristina Colombo reinterpreta il concetto di opera d’arte, proponendone una versione accessibile a tutti e introducendo il concetto di “arte che arreda”. I “Cuori fatti a mano” non sono però né un semplice complemento d’arredo né un oggetto da esposizione ma la sintesi di entrambi, una creazione interamente realizzata a mano in cui l’estro dell’artista emerge in modo prorompente. La tecnica di lavorazione è mista e i materiali utilizzati sono carte pregiate che rendono ogni cuore un pezzo unico e irripetibile.

Una collezione dal fascino senza tempo. Un universo di colori che sprigionano dalle opere tutta la loro luminosità. Forme semplici e bombate, avvolgenti e rassicuranti, in grado di rapire lo spettatore per proiettarlo nell’universo del suo Io più profondo. Cristina Colombo libera attraverso la sua arte le emozioni, dando vita a pezzi originali ed esclusivi per portare l’arte nella propria casa e farne oggetto di una fruizione più intima e intimista.

Oggi in prima linea nella lotta che il paese e l’intera Europa stanno affrontando per trasformare la crisi mondiale in futura risorsa di cambiamento – nell’intento di assegnare una nuova centralità alla cultura come fonte generativa di coesione e come creazione di benessere sociale, vuole onorare con una mostra il protagonista di un’epoca fertile di idee, quando intorno alle gallerie di Brera e nel retro di piccole librerie si radunavano sconosciuti costruttori del futuro patrimonio dell’arte attuale. .

Milano è orgogliosa di contare da oltre 60 anni tra i suoi cittadini più illustri Arturo Schwarz, mitico gallerista e libraio, storico dell’arte e collezionista, che ha contribuito con altri grandi milanesi come Gillo Dorfles e Giorgio Strehler a fare di Milano il crocevia di una cultura cosmopolita che sa guardare al passato per gettare ponti sul futuro.

Esperto di fama mondiale del Surrealismo e del Dadaismo, editore impegnato, poeta e scrittore, studioso di filosofie orientali, Arturo Schwarz – che nel 1998 è stato insignito dal Presidente della Repubblica Italiana della Medaglia d’Oro “Benemeriti della Cultura e dell’Arte” – ha intuito la dirompente forza innovativa di cui è impregnata l’arte contemporanea.

LA POESIA PRIMA DI TUTTO
Arturo Schwarz, una Vita nell’ Arte.

La mostra, ideata da Gigi Rigamonti e curata da Alan Jones
è aperta dal 10 febbraio al 9 marzo 2012, dalle h 15 alle h 19

artandgallery, via Arese 5, Milano

Un percorso multimediale e interattivo che attraverso libri, cataloghi, fotografie e video segue la cronologia della grande epoca milanese, oggi alla base della post-avanguardia.
Il materiale, consultabile mediante monitor, segue la trama della cultura del Novecento di cui Schwarz ha tessuto, a fianco dei suoi interpreti, i numerosi fili – la politica, la psicoanalisi, la storia, la poesia, la pittura – nel loro intreccio con l’immaginario surrealista.

Si inaugura sabato 11 febbraio al Museo Civico Umberto Mastroianni a Marino la mostra “Identità e percorsi”, aperta fino al 25 febbraio. La rassegna propone quaranta lavori tra dipinti e sculture di 18 artisti differenti per percorsi e generazioni e mette a confronto singoli percorsi espressivi provenienti dai molteplici linguaggi dell’arte astratta e figurativa. Ogni artista ha sintetizzato con più opere recenti o degli ultimi anni il proprio lavoro. Accoglie il visitatore una installazione di Cecilia Bossi, formata da tre sedie assemblate con materiali diversi e intitolata semplicemente “senza titolo”. Anna Seccia, invece, riflette sul valore della pittura come base di ogni processo creativo.

Esponente della pittura aniconica Anna Seccia ha partecipato alla 54° Edizione della Biennale d’Arte di Venezia (sezione Abruzzo) con l’”Opera aperta” che porterà a termine con la fine delle celebrazioni dei 150 anni dell’Unità d’Italia in programma il 17 marzo all’Aurum di Pescara. In questa occasione l’artista abruzzese presenterà una installazione dal titolo: “L’arte che unisce: luogo della creatività collettiva” composta da più di mille uova dipinte e realizzata con la partecipazione di 800 ragazzi del Liceo Artistico di Pescara. Il percorso prosegue con le opere di tre pittori che hanno mantenuto uno stretto dialogo con la pittura materica. Angela Scappaticci realizza i suoi lavori con la tecnica del cretto; Elisabetta Fontana fonde sulla tela diversi materiali con impasti di colore; Marco Diaco si esprime con una tonalità monocromatica di base composta di sabbia e grumi di colore. Da contraltare le opere di Cristina Messora, un alfabeto di segni luminosi realizzati con inserti collagistici; le tele di Roberto Venturoni del periodo astratto-geometrico e la pittura di nobiltà tutta letteraria di Stefano Sorrentino. La mostra prosegue con quattro lavori in lastra di alluminio di Stefano De Angelis, tratti dal ciclo “Quadri luminosi”.

A portare l’attenzione sulla pittura figurativa ci pensa Egidio Scardamaglia con una scelta di opere, di forte spessore narrativo, sul tema dell’immigrazione. Sempre su questa direzione Paul De Haan conduce una sua particolare ricerca del vero prendendo spunto da oggetti di vita domestica; Rosita Sfischio si sofferma sul tema della figura femminile catturata nella sua intimità; Maria Ceccarelli esalta il valore evocativo e spirituale del nudo femminile. Il trait-d’union con la pittura narrativa è data da Elena Candoli che prende in esame il volto con l’integrazione di elementi decorativi. E se Maurilio Cucinotta, “il pittore del sogno” si racconta attraverso il vero e il verosimile, Felixandro esplora il paesaggio lunare spolverato da superfici luminose. Punteggiano il percorso espositivo le sculture in ceramica raku di Maria Felice Petyx sul tema della figura femminile e quelle in ferro elettrosaldate di Paolo Camiz, portatrici ciascuna di una forma ben definita.

Museo Civico Umberto Matroianni -Marino
Dall’11 al 25 febbraio: giorni feriali ore 10-12/15.30-18.30. Domenica ore 10-12.30 Lunedì chiuso

A partire da sabato 17 dicembre 2011, il MACA (Museo Arte Contemporanea Acri) presenta un’importante mostra dedicata a una delle esperienze più significative dell’arte italiana del secolo scorso: il Gruppo degli Otto.

In seguito alla spaccatura tra figurativi e astrattisti avvenuta nel 1950 all’interno del Fronte Nuovo delle Arti, due anni dopo, nel 1952, Afro Basaldella, Renato Birolli, Antonio Corpora, Mattia Moreni, Ennio Morlotti, Giuseppe Santomaso, Giulio Turcato ed Emilio Vedova, raccolti attorno al critico Lionello Venturi, costituirono il Gruppo degli Otto – una cerchia di artisti non figurativi che intese aprirsi alle ventate di innovazione estetica che giungevano dall’Europa e dagli Stati Uniti, per superare lo sterile scontro innescatosi tra i paladini rispettivamente di figurazione e astrazione.

« Essi non sono e non vogliono essere degli astrattisti – scrisse Venturi nel manifesto del movimento –; essi non sono e non vogliono essere dei realisti; si propongono di uscire da questa antinomia. […] Adoperano quel linguaggio pittorico che dipende dalla tradizione iniziatasi attorno al 1910 e comprendente l’esperienza dei cubisti, degli espressionisti e degli astrattisti […] Non sono astratti puritani, ma seguono i loro bisogni; l’astrazione non rifiuta il rapporto con la natura ».

A 60 anni dalla formazione del Gruppo degli Otto, il MACA, in collaborazione con De Arte progetti e servizi per l’arte, dedica un’ampia retrospettiva ai suoi protagonisti. Le oltre 30 opere di grande formato che la compongono – di cui alcune testimoniano della partecipazione del gruppo alla Biennale di Venezia del 1952 –, ne ripercorrono la vicenda intensa e ricca di importanti sperimentazioni, dal sorgere della stagione astrattista in Italia, di cui furono tra gli iniziatori, sino agli ultimi capolavori realizzati da questi otto grandi maestri. Alle ispirazioni d’oltre confine, questi artisti aggiunsero una spiccata sensibilità e un attaccamento di stampo vitalistico al mondo concreto, traducendolo in opere tra loro eterogenee, ma comunque legate l’un l’altra dall’esigenza di trovare un punto d’equilibrio nella dicotomia tra astratto e concreto, tra la radicalità del gesto informale e la profondità della vita.

ASTRATTOCONCRETO

La Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea della Repubblica di San Marino, in collaborazione con l’, indice la Prima Edizione del concorso senz’appello, in occasione del giorno della memoria di venerdì 27 gennaio 2012. Il concorso è finalizzato alla presentazione diun’opera audiovisiva che rifletta sul persistere ai nostri giorni di totalitarismi, ideologie e sistemi politici che mirano ad una relativizzazione dell’individuo e dei suoi diritti fondamentali, e in particolare su quei processi di natura politico-economica in atto che agiscono sui gruppi sociali più deboli, senza che vi sia una reale presa di coscienza da parte dei cittadini.

Il concorso, che intende promuovere l’Arte Contemporanea come strumento di analisi critica del reale, prevede la selezione da parte della giuria di seilavori video, uno dei quali risulterà vincitore.  Le opere selezionate saranno inoltre presentate durante il concerto del San Marino Ensemble diretto dalM° Massimiliano Messieri, previsto per la giornata della memoria del 27 gennaio 2012, presso il Teatro Titano della Repubblica di San Marino. In tale occasione saranno complementari all’evento e verranno proiettati privi di audio.

La partecipazione al Premio è gratuita e aperta a tutti gli artisti under 40 di ogni nazionalità. Le opere potranno essere realizzate con qualsiasi tecnica e dovranno avere una durata massima di 15 minuti, titoli di apertura e coda compresi. Le opere originali devono essere riversate o salvate su DVD in formato Pal compatibile con i più diffusi strumenti di riproduzione. Ciascun artista potrà presentare un solo lavoro (realizzato non prima del 2009) accompagnato da un testo esplicativo della lunghezza massima di 1500 battute (spazi  inclusi) e da un dossier con biografia e curriculum dell’artista. Ciascun video e il relativo materiale dovrà essere inviato in triplice copia. Ciascun candidato concede alla Galleria d’Arte Contemporanea i diritti di riproduzione delle opere e dei testi rilasciati ai fini dell’archivio delle adesioni e della pubblicizzazione dell’evento. Le copie delle opere inviate non saranno restituite.

Copia dei lavori dovranno pervenire tramite raccomandata postale, spedizioniere o consegna a mano entro le ore 12 di martedì 10 gennaio 2012presso la sede della Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea della Repubblica di San Marino, scala Bonetti, 2 – 47890 San Marino.

La selezione delle opere candidate sarà effettuata da un’apposita giuria costituita dai critici: Andrea Bruciati, Daniele Capra e Silvia Conta, nonché daJuan Carlos Ceci (Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea) e Massimiliano Messieri (Associazione Culturale MASK). Le decisioni della Giuria di Premiazione sono inappellabili e insindacabili. Saranno vagliate dalla giuria tutte le opere che perverranno alla segreteria della Galleria d’Arte Moderna e Contemporenea, scala Bonetti, 2 – 47890 San Marino, entro le ore 12 di martedì 10 gennaio 2012. Le opere recapitate oltre i termini sopra indicati o prive della documentazione richiesta non potranno essere accolte.

Copia dell’opera vincitrice entrerà a far parte della collezione della Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea della Repubblica di San Marino. Il premio-acquisto consiste nell’assegnazione della somma di Euro 2.000,00 (al lordo delle trattenute fiscali).

“La linea, la forma e il dinamismo non hanno bisogno della
figurazione per palesarsi, anzi,
rappresentando solo se stesse risuonano in maniera più pura e profonda.
Il tema è sussurrato tra le pieghe, non pretende di essere ascoltato,
semplicemente, si mostra.”
Joël Angelini

LA CONTEMPORANEA Studio | Art Gallery è lieta di presentare martedì 6 dicembre alle ore 19.00 l’esercizio di stile del giovane scultore torinese Joël ANGELINI. Sarà l’artista stesso a guidare gli ospiti alla scoperta di una ventina di opere realizzate attraverso la lavorazione di materiali differenti quali la terracotta, il legno ed il gres e grazie ai quali dà vita al proprio personale concetto di raffigurazione. Un percorso esplicativo che ci svelerà la poetica che sta alla base dell’oggetto d’arte, a partire dal progetto iniziale fino alla scelta delle materie ed alle modalità di esecuzione.

Ricordando le forme del modernismo astratto di Moore, Joël ANGELINI lavora su figure che eliminano qualsiasi elemento di riconoscibilità per posizionarsi su un piano di pura considerazione intellettiva. Separandosi da un’immagine reale, ANGELINI ricerca la purezza delle linee, l’armonia delle forme, l’essenzialità del tratto scultoreo, per un risultato che si colloca tra l’eleganza della semplicità ed un più spinto rigore minimalista. L’equilibrio dei volumi e la compensazione organica tra spazi concavi e convessi diventano il frutto di una infaticabile investigazione della materia e della superficie intesa come ambito di “lavorazione”.
Eliminando la rappresentazione figurativa, l’artista apre uno spazio di immaginazione in cui è la sola sobrietà a stabilirne i confini e le proporzioni. Il resto viene affidato all’iniziativa spontanea di chi osserva, come avviene nella Poesia, in cui è la nostra sensibilità a condurci oltre i limiti della parola.

A CURA DI: Cristiana PECILE (architetto, gallerista) Marzia Altaira GRAZZINI (architetto, gallerista) Riccardo BARBAROSSA (architetto)
UFFICIO STAMPA: Nicoletta PECILE – tel. +39 011 0746769 +39 339 7496818 – n.pecile@lacontemporaneatorino.com

La sublime poetica di Roberto Giavarini (Calcinate – Bergamo, 1973) si esprime innanzitutto in un’osservazione appassionata, insistente, accanita dei soggetti prescelti, come accade in uno scienziato naturalista o in un botanico.

Il disegno accurato, dal tratto leggero ma incredibilmente preciso, nitido all’occorrenza come una punta d’argento, eseguito rigorosamente dal vero, è senza dubbio il suo principale punto di forza.

La linfa vitale che anima la sua visione non è in primo luogo generata solo da una questione tecnica, nella quale in Italia ha ben pochi rivali, quanto piuttosto dall’aver criticamente assimilato lo sguardo dei maestri del passato, mediando dalla tradizione veneziana a quella toscana, e aver imparato a scoprire la natura come la guardavano loro, limpidamente, con timidezza.

I suoi disegni più belli, che sembrano germinare come muschi direttamente dal legno delle tavole, tanto sono meticolosi, respirano di questa incantata contemplazione dell’infinito, come polla sorgiva della quotidianità. La sua è innanzitutto una poetica del silenzio, dove l’Essere, minerale, vegetale, animale o umano, viene osservato con grande rispetto perché altro da sé.

è su quest’intreccio discreto di segni, che tanto ricordano gli studi di Leonardo da Vinci, come fili di trama e ordito d’un tappeto persiano, che la sua pittura, così trasparente, luminosa e leggera da sembrar composta d’aria e rugiada, trova il suo autentico punto d’appoggio.

Al colore Giavarini quindi approda, con una discrezione assoluta, come soltanto i grandi sanno fare.
Pacato, timido, nasce per accenni a evidenziare la singolarità morfologica di fiori frutti, piante, saprofiti sino a giungere al paesaggio.

Questi luoghi gli si pongono innanzitutto come incontri casuali, inaspettati, perché il suo primo problema essenziale non è quello di dipingere ma di trovare il soggetto adatto, improvvisamente corrispondente all’immagine che sente nascere in sé.

L’inaspettato, ed è qui la specificità della sua visione, accade però nell’ambito del quotidiano.

E’ in queste vedute che il carattere della sua pittura si palesa in tutta la sua evidenza: trasparente, cristallina, a velare la purezza dell’aria d’un primo mattino.

(estratto dal testo di Vladek Cwalinski in catalogo)

Roberto Giavarini – DE PICTURA
A cura di Vladek Cwalinski
Dal 5 novembre al 10 dicembre 2011

Nuovospazio Artecontemporanea
Via Calzolai 24 – Piacenza
Tel./Fax 0523 321922
nuovospazio@alice.it
www.gallerianuovospazio.it

Orari: lunedì / sabato 10.00 – 12.30 15.00 19.30
Giovedì pomeriggio e domenica su appuntamento